2026 LOEWE 罗意威基金会工艺奖30件决选入围作品

LOEWE 工艺奖 专家评审团 / 2026

2026年罗意威基金会工艺奖（LOEWE FOUNDATION Craft Prize）入围名单现已正式公布。该奖项创立于2016年，旨在支持和弘扬来自世界各地的各种形式的工艺创作。

今年的入围者由专家评审团从来自133个国家和地区的5,100余份参赛作品中精心遴选而出。最终入围的30位艺术家活跃于多种媒介领域，包括陶瓷、木工、纺织、家具、书籍装帧、玻璃、金属、首饰以及漆艺等多个工艺门类，充分展现了当代工艺的多样性与创造力。

本届入围作品展览将于2026年5月13日至6月14日在新加坡国家美术馆（National Gallery Singapore）举办。

01

首饰金工类别

Name of finalist: Dorothea Prühl

Country/region of entry: Germany

Name of work: ‘Migratory Birds’

Category: jewellery

Materials: titanium, gold

这件项链作品呈现出两只体量宏大却极为轻盈的飞鸟形象，由钛金属塑造而成，并悬挂于一条纤细的金链之上。金链在飞鸟的上下两侧以等长方式排列，并通过连接耳（lugs）固定在特定位置，使整体结构保持稳定与均衡。金属片首先经过锤击处理，在表面形成细微的凹痕纹理，随后在双翼处折叠塑形，最终呈现出富有雕塑感的立体形态。通过对材料形变特性与硬度的精确控制，作品在实现结构稳定性的同时，强调了体量感与轻盈感在可佩戴结构中的并置与平衡。借由这一创作，艺术家进一步贴近其对于“宏大”与“失重”的观念表达，同时也唤起了艺术家、观看者与佩戴者之间共同而古老的渴望——对飞翔的原初向往。

Name of finalist: Coco Sung

Country/region of entry: Republic of Korea

Name of work: ‘Shadow Kkokdu’, comprised of ‘Optak’, ‘Liebero’, ‘Pupillove’, ‘Bongja’ and ‘Pupsi’

Category: jewellery

Materials: clay, lacquer, coloured wire, beads, Swarovski stones

这些小型直立的人物形态完全由手工制作而成，所使用的材料包括陶土、珠饰、彩色金属线、线绳、漆以及施华洛世奇水晶。作品首先以金属线和线绳构建基本框架，随后覆以陶土以塑造身体与整体结构。在此基础上，艺术家进一步在表面叠加色彩、珠饰与绘制元素，使作品形成集中的反射点与丰富的装饰层次。该系列重新诠释了“Kkokdu”（꼭두）这一源自韩国丧葬传统的人物形象——这些象征性存在被认为在生与死的边界处引导并守护逝者的灵魂。作品被塑造成如影子般的护符形态，既体现个体性与差异性，也蕴含温暖与幽默，使哀悼转化为一种可被触摸与感知的关怀语言，在面对失去时传达出深沉而富有慰藉的情感力量。

Name of finalist: Graziano Visintin

Country/region of entry: Italy

Name of work: ‘Collier’, comprised of pieces 1 and 2

Category: jewellery

Materials: gold, Niello

这两件项链由不同尺寸与形态的立方体构成，这些立方体以薄金片构建而成，并以手绘黑银嵌饰（niello）加以装饰。作品的形式语言受到“抵抗性”图案的启发，尤其体现于几何结构的运用之中。同时，黄金在此不仅作为结构材料存在，也作为表面表达的媒介，兼具支撑与视觉呈现的双重功能。与传统将黑银嵌入刻线中的工艺方式不同，本作品中的黑银并未填充于雕刻纹槽，而是以更为自由的笔触施加于金属表面，使金属呈现出附着、沉积与被标记的痕迹感。随着光线在项链表面流动，黄金的柔和光泽与黑银深邃浓重的黑色形成鲜明对比，在色彩与反射之间营造出不断变化的视觉互动关系，赋予作品动态而富有层次的感知体验。

Name of finalist: Jieun Park

Country/region of entry: Republic of Korea

Name of work: ‘Seed of Circulation’

Category: metal

Materials: oxidized sterling silver, linen thread

这一致密的雕塑形态根植于自然界扩张与收缩的节律，由数千个手工制作的小型纯银碎片逐一组构而成，形成紧凑、聚集且富有体积感的球状轮廓。这些银质单元通过亚麻线逐一连接，使整体表面既具柔韧性，又能够保持自我支撑的结构稳定性。这种不断重复的构建过程生成了一种富有节奏感的结构秩序，在规律与变化之间取得微妙平衡，使形态能够在扩张与收缩之间变化，同时维持整体结构的统一与连贯。如同一粒种子，这一形态兼具坚韧与柔性，蕴含着持续生长与向外延展的内在潜能。

Name of finalist: Soohyun Chou

Country/region of entry: Republic of Korea

Name of work: ‘Reconstructed Perspective Vessel 3C1L’, comprised of pieces 1-3

Category: metal

Materials: silicon bronze, copper

这一组三件青铜作品通过结合来自两套不同模具的元素铸造而成，从而形成更加复杂且富有动态感的形态结构。每件作品在整体统一的基础上呈现出细微差异，并蕴含一种随时间展开的层次深度。在每件作品的内部，艺术家嵌入了一层经过塑形的铜质内壁，使其形成双层结构。这些表面随后经过化学氧化处理，生成深邃的黑色包浆，并在光线变化中呈现出微妙而丰富的视觉转变。这一创作过程构成了一项雕塑性的实验：感知不再是静止的结果，而是在观者、物体与时间之间持续互动的关系中逐渐生成与变化，使作品成为一个不断被经验与观看所激活的存在。

Name of finalist: Jobe Burns

Country/region of entry: United Kingdom

Name of work: ‘Laying Vessel’

Category: metal

Materials: steel, paint, lacquer

这件大型雕塑性容器在工业生产与工艺创作之间展开对话，由一块厚度为3毫米的钢板在英国西米德兰兹（West Midlands）一家专门从事大型工业金属成形的工厂中，在艺术家的监督下被塑造成锥形结构。作品通过不同表面处理与质感的并置形成鲜明对比：容器内部表面依次经过喷砂、焊接、底漆处理、上色以及多次反复上漆，呈现出富有光泽的红色质感；而外部表面则涂覆了一种由过氧化氢、醋和盐溶液调配而成的自制化学溶液，使其生成橙色调的锈蚀效果。通过工业工艺流程与材料转化的结合，这件容器不仅映射出其制造地深厚的工业传统，也将容器塑造为一种隐喻性的身体形态——仿佛劳作之后的人体，虽已被耗空，却依然充满生命感，呈现出疲惫与坚韧并存的形象。

02

其它类别

Name of finalist: Nan Wei

Country/region of e ntry: 中国

Name of work: ‘ Knot-Loving’

Category: lacquer

Materials: lacquer, cow leather, linen

为创作这一漆饰皮革形态，艺术家首先将皮革拉伸塑造成三维结构，并以生漆充分浸渍，使漆成为贯穿整体结构的硬化媒介。在此基础上，外部覆盖两层亚麻织物，随后再施加四层刮制的灰粉层，每一层均以生漆加以固定。其后继续累积五层漆层，使漆不仅停留于表面，而是贯穿整个材料厚度，形成由内而外完整漆化的结构形态。作品外部经过反复且细致的打磨与抛光，呈现出光滑且高度光泽的表面效果，而内部则保留了材料原始的质感与状态，从而形成内外之间的对比关系。通过对日本“Shippi”传统漆艺技法的再诠释——这一技法原本依赖皮革的柔软性与弹性——艺术家将漆艺重新置入当代语境，使其转化为一种具有手工尺度感与时尚导向的材料表达方式，拓展了漆艺在当代工艺与设计领域中的表现可能性。

Name of finalist: Chia-Chen Hsieh

Country/region of entry: 中国台湾

Name of work: ‘Rhythm in Grid’

Category: other

Materials: bamboo, urushi, dye

这一立方体结构完全以竹材制作而成，使材料同时承担结构支撑与表面表达的双重功能。竹制网格构成了外部框架，而数千条经过特殊处理的超薄竹篾则被弯曲、叠加，并悬置于网格内部空间之中。这些相互交织的竹篾元素形成了连续的球形涟漪纹样，将原本具有刚性的竹材推向其柔韧性的极限。在方与圆、静与动、自然循环与恒常变化之间的关系之中，这一结构不仅展现了材料的内在张力，也将传统竹工艺引入当代雕塑语境，赋予其新的空间表达与观念意义。

Name of finalist: Baba Tree Master Weavers × Álvaro Catalán de Ocón

Country/region of entry: Spain

Name of work: ‘Fra Fra Tapestry #2’

Category: textiles

Materials: natural and black dyed elephant grass

作为一件“活的”人类学文献，这件大型公共编织挂毯致力于通过将当代技术与祖传编织知识相结合，保存一种濒临消失的建筑传统。这一创作根植于加纳Frafra（弗拉弗拉）族群的仪式性实践，并体现了其深厚的文化记忆与社区结构。作品的构图基础源自无人机俯拍的影像资料，记录了加纳古鲁恩西（Gurunsi）地区典型的圆形土坯住宅。艺术家在马德里使用Auto CAD软件绘制了相应的建筑图纸，并按实际比例打印于织物之上。随后，该织物在加纳由Mary Anaba与Baba Tree编织大师团队共同完成，他们运用传统篮编技法，以天然及染色的大象草为材料，将建筑图纸转化为具有触感与结构的纺织形式。整体构图采用双色图案加以界定：粗重的深色线条象征建筑墙体，而白色区域则代表内部庭院空间。这些庭院部分由Baba Tree编织大师自由填充各类纹样与图绘，体现了在集体劳动中形成的家庭生活传统与文化表达，使作品不仅成为建筑形式的再现，也成为社区记忆与文化延续的织造载体。

Name of finalist: Rayah Wauters

Country/region of entry: Belgium

Name of work: ‘A Turn Toward Possibility’

Category: wood

Materials: Belgian poplar wood, black ink

该作品呈现为一个紧凑而中空的体量，由从整块杨木中提取出的细密、如发丝般的纤维构成。艺术家通过改造传统车木工具，并结合定制的固定装置，从坚实的杨木内部逐渐分离出这些纤维，使材料从实体转化为轻盈而富有触感的结构。每一根纤维都经过车削、梳理，并浸入黑色墨水之中，墨水在毛细作用与重力的共同作用下，被吸收并沿着暴露的纤维自然渗透与扩散。纤维在直径与排列位置上的细微差异，使结构在密度上呈现出从紧密凝聚到近似羊毛般蓬松的渐变变化。这一创作过程源于车木过程中一次意外的“错误”，艺术家将失败转化为方法，使原本被视为缺陷的现象成为生成形式的起点。通过这一转化，比利时最常被采伐却常被低估价值的杨木，被重新塑造为一种类似编织的结构形态，使材料的表面质感与触觉特性成为作品的核心表达。

Name of finalist: Morten Løbner Espersen

Country/region of entry: Denmark

Name of work: ‘ #2572’

Category: Ceramics

Materials: stoneware, glazes

这一圆柱形容器通过拉坯成型，并经过三次施釉与烧制，使色彩得以在其表面自由生成与发展。简洁纯粹的器形为多层釉色提供了稳定的结构基础，使釉料沿器身自然沉积，形成环绕其外的水平带状层次。这些层叠的釉带令人联想到考古地层与不断变化的地貌景观，而釉色的流淌与渐隐效果则体现出艺术家对亚洲陶瓷传统的深入理解，尤其呼应了日本陶艺中对釉色流动性与偶然性的重视。通过重复施釉与控制变化的过程，作品将器形与表面处理转化为对釉料物质行为的探索，使观者得以感知釉层在时间与多次烧制过程中逐步生成、沉积与转化的动态过程。

Name of finalist: Oskar Gustafsson

Country/region of entry: Sweden

Name of work: ‘Hierarchies of Existence’

Category: wood

Materials: ash wood, copper thread, hard wax oil

这根高耸的木质立柱由36片白蜡木端纹薄片构成，每一片均经过蒸汽弯曲成型，并由120根扭绞的铜线连接固定在一起。艺术家从新鲜的白蜡木树干中使用带锯切割出厚度仅为4毫米的薄片，随后通过蒸汽处理，使其在圆形模具上保持弯曲形态，最终以铜线加以缝合与固定，形成稳定而统一的结构。作品根植于自然界生长与衰变的循环过程，将木材与金属置于同一结构之中，使其既呈现出组构的秩序，也隐含着逐渐分解的时间维度。支撑立柱的极简结构方式不仅展现了形式的纯粹性，也凸显了创作者精湛的工艺能力与其对材料特性的深刻理解，使作品成为材料、时间与工艺之间关系的凝练表达。

Name of finalist: Gjertrud Halsn

Country/region of entry: Norway

Name of work: ‘Scala’, comprised of pieces 3-5

Category: textiles

Materials: cotton and linen thread, resin

这一组三件具有宏大尺度的容器作品，首先由艺术家在定制的编织环上，以白色棉麻线手工编织而成，随后再以反应性纺织染料进行手工染色，使色彩在纤维表面自然生成与渗透。在成型过程中，纺织结构被浸入树脂之中，并拉伸覆盖于包覆薄塑料层的纸板模具之上，以塑造出高耸的立体形态，随后静置硬化。当结构完全固化后，这些容器既呈现出功能性的可能性，也唤起某种仪式性的象征意义；其重复的编织结构暗示着网络般的连接关系与持续的转化过程。作品中渐变的色彩构成了一种富有诗意的时间隐喻，映射出昼夜更替中光线的流动——从夜晚深邃的黑暗，过渡至正午明亮的阳光。这一视觉表达也反映了艺术家长期以来对北欧神话的关注，尤其是其中关于自然世界及其循环变化的深层精神关联。

Name of finalist: Adelene Koh

Country/region of entry: Singapore

Name of work: ‘Endless’

Category: bookbinding

Materials: paper, embroidery threads, aluminium wire

书脊端饰（endband）通常隐藏于书籍的书脊内部，而在这件作品中，它被扩展为一个连续而冥想性的结构，使缝合、色彩与节奏本身转化为形式的主体。艺术家以一根铝线为核心骨架，运用刺绣线并采用“前珠缝法”（front bead method）进行缝制——这是一种源自18至19世纪英国的传统端饰缝制技法。艺术家将纸页以手工折叠与裁切的方式整理为书帖，并在每个书帖的前口边缘增加一道额外折叠，随后逐一手工缝制于铝线核心之上。通过这一过程，原本作为书籍结构中隐藏性支撑的装订元素，被转化为一个环形的建筑性结构，使书籍装帧从功能性工艺转变为一种雕塑性的表达语言，以色彩、节奏与重复构建出具有空间感与秩序感的形式。

Name of finalist: Xanthe Somers

Country/region of entry: Zimbabwe

Name of work: ‘The Caretaker’s Clotheshorse’

Category: ceramics

Materials: glazed stoneware

这件大型炻器容器围绕内部支撑结构逐步以手工盘筑成型，随后通过穿孔与加重处理，使其呈现出仿佛正在塌陷的轮廓形态。作品的创作灵感源自津巴布韦传统的宾加（Binga）篮编工艺，艺术家在外部运用“编织式陶土”技法，使表面呈现出如同纤维编织般的结构质感，在自身重量作用下产生折叠、承托与微妙松散的视觉效果。在素烧完成后，艺术家对容器表面进行了精细的手工绘制，其图案不仅呼应草编篮器的纹理，也借鉴了毯子、厨房织物及其他日常家用纺织品的视觉元素。作品在“生命力”与“负重感”之间形成张力，使那些常常被忽视的照护行为与家庭劳动获得具象的物质呈现，将坚韧与承受的重量凝聚于同一结构之中，成为对日常劳动经验的深刻隐喻。

Name of finalist: Somyeong Lee

Country/region of entry: Republic of Korea

Name of work: ‘Chronicle of Matter’, comprised of ‘Chronicle of Matter 001’ and ‘Chronicle of Matter 002’

Category: wood

Materials: steam-bending oak, ocher, rope and mixed media

这两件四足形态的作品通过缓慢而细致的工艺过程完成，艺术家将细长的橡木条逐一弯曲、编织并捆绑，使其逐渐形成稳定的立体结构。木条在高温蒸汽中加热弯曲，以赋予材料弹性与内在张力，随后通过手工连接固定，使结构的生成成为一种在材料“抗拒”与“柔顺”之间不断协商的物理过程。作品中还融入了赭色颜料与线绳元素，使表面与结构之间形成互动关系，而整体形态则借鉴了鸟类衔枝筑巢的“建筑方式”，通过枝条的聚集与交织构建空间与支撑。通过不断累积与凝聚的过程，艺术家将材料的重组转化为生命的隐喻：作品揭示出力量与稳定并非源自单一元素，而是产生于依存关系、层叠结构与集体支撑之中，使形式成为关于共生与连接的物质表达。

Name of finalist: Susan Halls

Country/region of entry: United Kingdom

Name of work: ‘Edifice’

Category: Ceramics

Materials: glazed ceramic, stoneware

这一充满动态感的雕塑形态由大量手工塑造的陶瓷单元构成，表达了人类内在对于“聚集”的情感冲动以及对集体性的观念思考。艺术家借助木制模板，将柔软的陶土板压制出波纹状纹理，随后将每一片平面结构折叠成浅拱形轮廓，使单元在保持基本一致的同时呈现出细微变化。陶土材料的流动性赋予每个单元微妙差异，而整体结构则通过控制保持形式上的统一性。当陶土达到皮革硬度状态后，这些单元被逐一精心组装，构建成高耸且富有建筑感的立体结构。素烧完成后，艺术家在表面喷覆富含铜氧化物与锰氧化物的釉层，并在1200摄氏度的高温下进行最终烧制，使作品呈现出致密而深沉的表面效果，并伴随细腻而丰富的色调变化。

Name of finalist: Jong In Lee

Country/region of entry: Republic of Korea

Name of work: ‘Baeheullim’

Category: furniture

Materials: walnut wood

这件雕塑性长凳由两部分胡桃木构成：上部由整块木材雕刻而成，展现出层层积累的木纹与丰富质感；下部则采用垂直排列的木纹方向，强调结构的支撑性与力量感。木材最初通过链锯进行粗略塑形，随后以燕尾榫结构加以连接，并通过磨削与手工刨削进一步精细修整。随着时间推移，两部分木材会共同经历自然的膨胀与收缩过程，逐渐融合为一个整体，在看似不稳定的形态中形成视觉上的平衡与统一。作品借鉴了韩国传统建筑中“배흘림（Baeheullim）”柱身腰部微微鼓起的结构特征，从俯视角度观看时，其柔和起伏的轮廓正呼应这一形式。通过流动的木纹与曲线，作品在身体尺度与空间感之间建立起紧密联系，使结构不仅成为支撑之物，也成为感知与空间互动的媒介。

Name of finalist: Fadekemi Ogunsanya

Country/region of entry: Nigeria

Name of work: ‘We Are Not Lying, Your Language is Not Enough’

Category: textiles

Materials: cotton fabric, plastic beads, cotton and polyester paddingn

这件手工刺绣并缀饰珠饰的被毯采用尼日利亚传统的防染工艺“Adire Eleko”制作而成。这一技法在历史上不仅是一种纺织工艺，更是一种视觉语言，用于传递信息、表达象征意义，以及承载叙事与神话传统。艺术家使用羽毛笔蘸取“lafun”（一种由木薯淀粉制成的防染浆料，传统上由约鲁巴族女性制作），在织物的15个分区上绘制出旋转流动的图案。同时，织物的边缘饰带融入了约鲁巴文字，引用谚语与民间传说，使作品成为文化记忆与语言表达的载体。织物随后被送往尼日利亚北部卡诺（Kano）历史悠久的Kofar Mata靛蓝染池进行染色。染色完成后，防染浆料被清洗去除，显现出清晰的图案轮廓，艺术家再通过手工刺绣与珠饰对图案加以强化与突出。最后，在织物内部填充棉絮，使其获得更为饱满的体积感与结构支撑，使这件作品在视觉、触觉与文化意义层面均呈现出丰富而深厚的层次。

Name of finalist: Misako Nakahira

Country/region of entry: Japan

Name of work: ‘Interact ion #YB’

Category: textiles

Materials: wool, cotton

这件挂毯以拉伸固定的棉质经线为基础构建而成，形成一种柔软且富有折叠感的表面形态，使作品处于绘画与雕塑之间的过渡状态。艺术家以细腻的混纺羊毛纬线（mokuito）进行手工编织，在织物表面生成蓝色与黄色交错的条纹图案，这些条纹彼此重叠并相互扰动，打破了原有的秩序感。色彩密度的微妙变化在柔韧的织物形态上营造出层层叠加的视觉深度幻觉，使作品呈现出丰富的空间层次。同时，挂毯的背面被有意保留为可见状态，且作品不设固定的展示方向，使光线、空间移动以及观者的观看角度持续改变其视觉呈现。通过在流动性的纺织表面中打破条纹的结构秩序，这件作品直面结构与瞬时性之间的张力，使织物不仅成为形式的载体，也成为时间、感知与空间关系不断生成的场域。

Name of finalist: Jongjin Park

Country/region of entry: Republic of Korea

Name of work: ‘Strata of Illusion’

Category: Ceramics

Materials: porcelain, paper, stain, glaze

这一发生扭曲的矩形坐具形态通过分层叠加的方式构建而成，形成紧密而凝聚的陶瓷体量。艺术家首先将纸张涂覆以掺入手工调配颜料的瓷泥浆（porcelain slip），随后将这些纸张反复折叠、堆叠，并以手工压实，逐渐塑造成矩形结构。在成型过程中，纸张自然产生的褶皱、压缩痕迹与微妙位移均被保留于表面，使形态记录下材料自身的物理过程。干燥后，作品在1280摄氏度的氧化气氛中烧制，使原本分层的纸质结构转化为一个统一的陶瓷整体。在烧制过程中产生的变形使作品呈现出不规则且略带中空感的轮廓。随后，艺术家进一步使用电动工具对表面与结构进行精细修整，以强化其形式语言。作品体现了艺术家对物质不稳定性的深刻关注，并捕捉了“控制”与“坍塌”之间的张力，使结构既呈现人为构建的秩序，又保留材料在高温转化过程中所显现的不可预测性与自然生成的痕迹。

Name of finalist: Rafael Pérez Fernández

Country/region of entry: Spain

Name of work: ‘Time To Time’, comprised of pieces 1-3

Category: ceramics

Materials: porcelain, clay

通过这三件尺寸与重量完全相同的瓷质形态，艺术家主动加速了材料自然退化与变形的过程，形成一种对自然秩序与时间流逝的反叛性表达。作品最初以轮廓清晰、边界分明的几何块体呈现，随后在燃气窑中以1250摄氏度的高温烧制，迫使材料内部产生结构性失稳与破裂。原本坚硬的外部表面呈现出白色、灰色与黑色的对比层次，在烧制过程中发生开裂与错位，使内部被压缩、褶皱的结构逐渐显露。这些内部形态宛如层叠的纸张或折叠的片材，从原本密闭的体量内部向外推挤，留下破碎的边缘与不断错动的空间界面。通过精确控制的烧制过程，这一系列作品将“变形”本身转化为一种可见的物质记录，使瓷这一传统上被视为稳定而坚固的材料，显现出其内在的脆弱性与动态性，揭示了结构、时间与物质转化之间深刻而复杂的关系。

Name of finalist: Jane Yang-D’Haene

Country/region of entry: United States

Name of work: ‘Untitled’

Category: ceramics

Materials: stoneware, porcelain, glaze

这件倾斜形态的陶罐由炻器泥与瓷土混合制成，呈现出圆润而不对称的造型。艺术家以手工盘筑的方式塑形，并在表面留下绘画性与书写性并存的线条痕迹。随后，通过多次反复烧制，使厚涂质感（impasto）的釉层逐渐覆盖并积累于这些刻画与描绘的线条之上。这一连续的烧制过程使作品表面形成丰富而致密的纹理层次与色调变化，呈现出时间沉积般的物质质感。作品在比例上借鉴了韩国传统“月亮罐”（Moon Jar）的经典形式，同时融入西方绘画性表面的表现语言，将陶瓷的立体结构与绘画的身体性笔触融合于同一对象之中。通过这种多层叠加的形式，作品既承载了艺术家个人的情感与记忆，也回应了更广阔的文化传统与历史脉络，使陶瓷成为连接个体经验与文化遗产的物质载体。

Name of finalist: Maria Koshenkova

Country/region of entry: Denmark

Name of work: ‘Faun’s Flesh (Arena Rosada)’

Category: glass

Materials: blown sculpted glass, vintage found glass

这件玻璃雕塑呈现为一个低矮而扭曲的体量，其致密且层叠的表面不断向内折叠与压缩，形成富有张力的有机形态。作品融入了回收的古董玻璃材料，并通过多次吹制过程、长时间窑烧、冷加工处理以及镀银工艺逐步发展而成。色彩的构建依赖直觉性的叠加，使表面呈现出如液体般流动的过渡效果与富有绘画性的空间深度。艺术家在Holmegaard Værk玻璃吹制团队的协助下，结合即兴创作的方法与自主设计的工具，将材料推向如肌肉般起伏流动的形态表达。通过这一既受预设构想引导、又不断回应材料自身变化的创作过程，作品突破了玻璃与雕塑之间的传统界限，使玻璃不再仅是透明的容器材料，而成为具有身体性与雕塑感的实体存在。

Name of finalist: Kirstie Rea

Country/region of entry: Australia

Name of work: ‘Repose 2’

Category: glass

Materials: glass

这件玻璃雕塑呈现为一片细长而起伏的波状形态，由整块玻璃切割并使用传统工具塑形而成，随后经历了四次窑烧过程逐步完成。第一次烧制时加入彩色粉末，使色彩融入材料内部；第二次烧制使表面形成波纹状起伏；第三次烧制对这些波纹进行压缩，使结构更加凝聚；第四次烧制则将玻璃片轻柔弯曲，最终形成折叠般的整体形态。完成后的作品呈现出浅而开放的轮廓，在坚固与脆弱之间维持微妙的平衡，同时强调玻璃材料在受控条件下所具备的可塑性与结构上的柔韧性。这种处理方式将自然景观中细腻而流动的形态转化为可触知的物质存在，使玻璃成为连接自然感知与雕塑形式之间的媒介。

Name of finalist: Vivi Rosa

Country/region of entry: Brazil

Name of work: ‘Resonance’

Category: other

Materials: cement, recycled glass powder, shredded cotton, wire, adhesive

这一曲线优美、富有诗意的容器由艺术家自主研发的复合材料手工制作而成。该材料可在室温下自然干燥，无需烧制，同时具备优异的耐候性与结构稳定性。其成分包括回收粉碎玻璃、再利用的棉纤维碎料、黏合剂、颜料以及水泥，使废弃材料在新的结构中获得再生与转化。在结构构建过程中，艺术家将从废弃来源收集的可回收材料嵌入内部，作为支撑基础。作品表面通过多层叠加逐渐塑形，并经过手工雕刻与精细抛光，随后以树脂与植物蜡进行最终处理，使整体形态既具备良好的耐久性，也呈现出丰富而细腻的触觉质感。通过这种材料与工艺的结合，作品不仅体现了艺术家对可持续材料实践的探索，也赋予容器一种兼具结构力量与感性表达的当代雕塑特质。

Name of finalist: Ayano Yoshizumi

Country/region of entry: Japan

Name of work: ‘ICO N #2507 Group’, comprised of ‘ICON #2507 No. 2’ and ‘ICON #2304 No. 3’

Category: glass

Materials: glass, acrylic paint, glitter

这两件富有表现力的玻璃雕塑被视为“立体画布”，通过手工吹制进入静态模具中成型，随后再以火焰加热塑形，使其呈现出柔和而流动的曲线。模具为作品提供了基础的结构形态，而针对性的局部加热则引入扭转与变形，使玻璃内部仿佛蕴含着持续的运动感。色彩图案正是在这一过程中逐渐生成，反映出玻璃处于液态时的流动特性，并强调内部与外部空间之间的转换与渗透关系。通过将传统模具吹制技法与实验性的火焰塑形相结合，艺术家探索了热玻璃在受控变形中的转化潜力，使材料本身成为形态生成的核心动力。作品在视觉语言上受到野兽派（Fauvism）与极简主义（Minimalism）的影响，同时融入了日本美学中“间（Ma）”的空间意识——一种强调空间、时间与存在关系的感知方式。在这一语境中，色彩、形态与光线不再是附属元素，而成为构成玻璃作品内在秩序与感知体验的基本结构。

Name of finalist: Hervé Sabin

Country/region of entry: Haiti

Name of work: ‘Sèvi-Tè’

Category: wood

Materials: wood, beeswax, oil paint

这一高置的碗形作品属于一系列兼具功能性与雕塑性的木质创作。作品通过雕刻、打磨、炭化处理，并以矿物油与蜂蜡进行乌木化（ebonised）表面处理，使木材呈现出深沉而富有层次的质感。容器由整块木材掏空而成，在保持木材天然纹理与不规则特征的同时，通过烧制与表面精加工实现材料的转化。碗体下方融入了一件小型红色木质支撑结构，使炭化后的主体微微悬离地面，形成一种轻盈而富有张力的视觉关系。作品借鉴了古代通过掏空木材制作公共使用器物的传统技艺，通过这一精确而克制的结构介入，使历史工艺与当代形式展开对话，使容器既成为实用之物，也成为关于材料、时间与工艺延续的雕塑表达。

Name of finalist: Nobuyuki Tanaka

Country/region of entry: Japan

Name of work: ‘Inner side – Outer Side 2021 N’

Category: lacquer

Materials: lacquer hemp

这件高耸且具有人体意象的容器呈现为中空、可独立立置的形态，其创作源于将“容器”视为身体象征的观念，并采用传统的干漆（kanshitsu）技法制作而成。艺术家首先在泡沫塑料原型外逐层覆盖麻布，并以漆加以固定，随后移除内部支撑结构，使作品形成厚度约5毫米、轻盈且能够自我支撑的中空体量。其后，艺术家在表面反复涂覆黑漆，每一层均经过自然干燥，并以木炭细致打磨后再进行下一层处理。经过五次重复这一过程，作品最终呈现出光滑而富有反射性的表面质感，强调了容器连贯流动的曲线以及挺立的身体般存在感。通过这一精细而渐进的制作方式，作品不仅展现了干漆工艺的材料特性，也使容器超越功能性对象，转化为一种具有身体性与精神象征意义的雕塑形态。

Name of finalist: Liam Fleming

Country/region of entry: Australia

Name of work: ‘Patterns of Pressure’

Category: glass

Materials: glass

这件变形透视玻璃雕塑采用传统威尼斯玻璃工艺“incalmo”技法制作而成。在这一过程中，艺术家结合热玻璃模具吹制与温热玻璃熔接工艺，构建出精确的几何结构，随后再将其置于高温窑中进行极端加热处理，使结构发生受控转化。创作首先从吹制两个玻璃气泡开始，艺术家运用一种称为“填充杯”（stuffed-cup）的技法，将色彩施加于玻璃的外部表面，使颜色融入材料结构之中。随后，这两个体量较大的玻璃单元被吹制进入由艺术家自行制作的金属模具中成型，并在高耸的陶瓷窑内以高温状态进行热连接。之后，作品再次被加热至600摄氏度以上，使玻璃逐渐松弛并自然沉降，最终融合为一个统一而完整的结构体。通过这一复杂而精确的工艺过程，作品在几何形态的清晰性与材料流动性之间取得平衡，使原本坚固的柱状结构呈现出微妙的变形与位移，记录下材料在稳定与不稳定之间转化的瞬间，使玻璃成为时间、热能与结构变化的可见载体。

2026年3月1日

（来源：craftprize.loewe.com ）