北京师范大学未来设计学院“数字艺术与创作”课程回顾:从艺术史图像实验到AI影像思考

在人工智能深度重塑艺术教育的今天，我们应如何打破工具论的局限，重新定义数字艺术教学的底层逻辑？北京师范大学未来设计学院龚嘉伟教授带领学生在“数字艺术与创作”本科课程中，展开了一项以重新定义数字艺术基础教学为目标的实验探索。

龚嘉伟教授授课现场

课程简介

本课程不再把AI视为孤立的阶段性内容，而是将其置于创作全流程的逻辑中心，推动学习重心转向“模型—结构—创作思维”的维度重组：不再预设“怎么做”的技术规范，而是将“问题如何被提出”作为首要考量，最终通过AI生成的大量变体抵达清晰的语义坐标。

本课程在理论学习与技术实践的双重推动下，带领学生开展两个阶段的学习实践：第一阶段以艺术史为入口，拆解艺术家风格并借助AI生成全新图像，建立个人化当代视觉表达；第二阶段从影像事件出发，用AI工具将文字、镜头、声音与后期合成整合为具备概念性的视听叙事。

在图像作业中，九组同学的实践各自指向了不同的理论问题，以下是其中四个典型路径：

路径一：穆夏+当代消费符号

阿尔丰斯·穆夏：捷克装饰艺术家，以曲线线条、平涂色块与女性神圣化意象建立新艺术运动的视觉范式。

作者：吴婧雯、张语凌、陈诗尧

作品简介：小组将穆夏所代表的新艺术运动中“神圣”“女性”“自然—装饰”的语义框架，转化为当代潮玩、奢侈品手袋、艺术商品等符号。不仅再现穆夏风格的视觉语言，更借助“神圣化/崇高化”手法，呈现当代消费主义的悖论——一只盲盒、一款限定联名产品，如何在语义上成为“信仰的替身”？

课堂作品

路径二：吴冠中+未来城市

吴冠中：中国艺术家，以“油画民族化／水墨现代化”为方向，用点线面抽象语言建构东方形韵与形式美。

作者：张珏涵、冯梓寒、杨若涵

作品简介：这一组用“构图底图+风格底图”交叉法，将吴冠中的点线面与现代城市叙事结合，试图验证一个问题：“风筝不断线”能否在AI时代成立？AI迭代过程显示，只要指向“生活经验”的线被切断，AI就会迅速滑向抽象无意义的图像噪音——这恰好反证：形式不是风格本身，风格必须与世界发生关系。

课堂作品

路径三：蒙德里安+中国审美空间

皮特·蒙德里安：荷兰现代主义画家，从风景出发走向抽象，以黑线网格与三原色构建“新造型主义”。

作者：袁澜芯、杨静颖、黄予

作品简介：该组在蒙德里安“新造型主义”网格构造中，尝试嵌入中国山水、庭园、斗拱等空间语言。AI的迭代使他们意识到：风格不是简单添加一些中国元素，而是重新探讨几何与意境的融合方式——抽象几何与诗意并不矛盾，它甚至可以成为意境构型的载体。

课堂作品

路径四：索尔·莱特+当代街景

索尔·莱特：美国摄影师，以雨雾、玻璃反射、遮挡等建立柔和、叠层、内向的彩色街拍美学

作者：熊欣然、吴菲杨、阎思涵

作品简介：这一组回应了“今天的地铁口、咖啡馆、霓虹广告里，是否还存在那种‘朦胧、私密、层次遮挡’的瞬间？”的问题，他们不是去复刻莱特的色彩和景深，而是把“城市孤独的节奏”转写进prompt里，让AI生成一种可能存在的当代街拍图像。

课堂作品

本次课程教学结构的调整，使数字艺术学习不再仅仅是掌握媒介的操作方法，而是引导学生直面一个更根本的问题：当创作从“技艺”转向“模型调用+意义判断”的混合状态，艺术家的主观性究竟何在？从这个意义上讲，“当穆夏遭遇AI”并非一道简单题目，而是一个思考入口，它拓展的不仅是风格迁移的维度，更能让学生以经典为起点，将AI作为思考工具，追问艺术史的语义节点在当下如何被重新点亮。