2026毕业季丨中央美术学院设计学院研究生毕业作品·第3期

发布时间：2026年5月12日分类：毕业设计浏览量：714

前言

设计之学，关乎形式、技术与生产，更关乎态度、立场与价值操守。古人言“极深而研几”——极深者，穷究事物未显之理；研几者，审辨变化初动之微。其义不在知识之积累，而在以诚实之心面对对象，以审慎之思辨析事实，由真实处建立判断，由判断中形成方法。此亦研究训练之根本。

当下世界持续变动：技术更新重塑感知方式，媒介迁移改写传播结构，社会现实不断提出新的伦理与实践命题。面对复杂处境，设计不能止于表层修辞与即时回应，而须“观其所以，察其所由”，由可见之形追问其生成条件，由局部现象辨识其深层关联，在细微处把握时代变化的征候。

本届毕业作品涵盖29个研究方向、82名学生。路径虽异，其共同价值在于：以研究进入现实，以设计组织认知。每一件作品既是形式成果，亦包含问题意识、方法选择与价值判断。

学术训练最终培养的，不只是解决既有问题的能力，更是发现尚未被命名之问题的能力。愿诸位由此出发，持守求真之诚，涵养思辨之力，在纷繁现实中辨其所趋，于未定世界中立其所守。

设计学院党总支书记王子源

2026年5月

2026CAFA设计学院

研究生毕业作品推介

第 3 期

- 设计批评与策展研究 -

- 艺术设计基础教育研究 -

- 设计管理研究 -

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未尽的流域——

当代艺术中的水系研究档案

Unfinished Watershed -Archive of

Water System inContemporary Art

作者姓名丨贺婧

指导教师丨纪玉洁、张子康、方振宁（外聘专家）、王乃一（外聘专家）

专业方向丨设计批评与策展研究

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本作品是一项将“水系”转化为知识组织与叙事逻辑的文献研究项目。展览主题源自近年来围绕水、生态与不稳定时代环境的全球性讨论，聚焦以河流、海洋、水域及水文学为核心的跨学科艺术实践。通过梳理具有代表性的案例，作品将众多水文要素抽象为研究中的“节点”与“过程”，构建一个具有流动性与关联性的知识网络。

“未尽”指向研究的持续性与开放性，作品强调“流动性”在非线性叙事、去中心化空间及动态主体关系三重维度的策略应用。展览主体是由层叠悬挂的薄册构成的水系地图，每册对应特定的水文节点并收录相关文献。地图没有固定的观看路径，观众可自由取阅并重新挂回，在个体探索中建立知识体系，同时引发“流域”形态的动态变化。

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流域地图中包含62本薄册，分别对应不同的水文节点并收录相关作品和展览案例，观众可拿取任意薄册阅读并自由放回

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展览同名图录，收录了展览中300余项水系艺术实践、展览项目案例，70位代表性水系艺术家、组合、机构等

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流域地图变化形态及具体水文节点

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展览线上网页演示

导师评语

贺婧同学的作品《未尽的流域》，敏锐地捕捉到全球当代艺术策展中“流动性”这一关键特征与趋向。通过严谨的研究方法与大量资料的梳理整合，可以说，她建构了一个关于策展的“流动”辞典。她在复杂材料中建立起清晰而有序的认知框架，并使这一概念初步呈现出方法论层面的启发性。她不仅将“流动”理解为艺术、媒介与语境之间的持续迁移与重组，也进一步将其视为推动策展生成新关系与新意义的内在动力。纵观之，体现出她较为扎实的学术素养与良好的方法意识，具有进一步展开学术研究的潜质。

——纪玉洁

对话容器

Dialogue Container

作者姓名丨王悦嘉

指导教师丨纪玉洁、张子康、方振宁（外聘专家）、王乃一（外聘专家）

专业方向丨设计批评与策展研究

《对话容器》聚焦于语言之外的沟通形态，关注那些微弱、缓慢却真实存在的交流方式。作品通过在商圈、学校等不同场域中的在地调研，以协商与征集的方式收集不同背景人群在真实情境中的沟通经验，并将这些日常生活中尚未被充分观看与理解的非常规对话，整理为可阅读、可讨论、可感知的小型知识档案。作品围绕八个主题展开，探讨同一动作、符号或行为在不同语境中所承载的多重意义。随着展览在不同地点的展开，新的在地经验不断进入原有结构，使内容在持续补充中逐步形成更具体的场地关联与语境差异。观者既能看到不同地域、职业背景与生活经验的人群，如何围绕同一主题产生不同的理解与经验补充，并在其中发现不同交流方式之间的知识关联，也能在阅读中联想到自身经验，重新感知对话、理解差异，并建立新的联系。作品以报纸作为主要载体，将征集到的经验、图像与文字转化为可翻阅、可保存的版面，并结合可移动装置进行空间呈现，使展览得以在不同场域中持续展开、不断补充与更新，形成一种动态生长、常看常新的内容状态。

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导师评语

悦嘉同学思维活跃，视野开阔。她的作品《对话容器》以静态与动态结合的互动装置为主要形式，围绕“通过对话生成新的知识档案”这一核心理念展开。在具体表达上，她巧妙地将报纸中隐形墨水的运用与“同一符号或行为所承载的多重意涵”相结合。通过绿色可抽拉箱体、黑色对话框及大型墙面宣言等多种元素，在美术馆空间中构建出具有高度互文性的视觉叙事，使观念与形式之间形成紧密而清晰的对应关系。当然，这件作品的意义并不只是“对话”的形式化呈现，而是试图将其转化为一种可以持续生成的机制，使观众在参与过程中不断触发新的理解与关联，从而扩展作品的意义边界。

在毕业创作的推进过程中，我与她保持了较为频繁的沟通。也正是在这一来一往的交流之中，她细腻而敏锐的设计感觉以及较强的理解力与判断力，给我留下了深刻印象。

——纪玉洁

寸笔千钧——贾延良设计艺术展

Stroke of Gravity -

The Design Exhibition of Jia Yanliang

作者姓名丨陈家怡

指导教师丨纪玉洁、张子康、方振宁（外聘专家）、王乃一（外聘专家）

专业方向丨设计批评与策展研究

贾延良是一位跨越多个设计门类，具有综合创造力与时代开拓精神的设计师。他1959年考入中央工艺美术学院，在郑可等前辈的指导下接受了系统的现代设计教育，奠定了他“一专多能”的实践特征。他活跃于工业设计，室内设计，书籍装帧设计等多个领域，以深沉的家国情怀和鲜明的文化担当，将个人设计探索融入国家发展与时代建设中；他不仅参与开创中国汽车的设计范式，更为后世设计师提供了民族文化探索与设计表达的历史参照，是中国现代设计发展历程中的重要人物。

基于此，本毕业创作围绕贾延良的设计历程及其艺术成就展开系统研究，通过历史研究法对展览板块进行划，以设计策展的空间化叙事强化设计史研究的可视化表达与公共传播，以期丰富中国设计史书写范式，为设计师个案研究提供新视角。

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导师评语

家怡同学在研究生阶段勤于实践与思考，她的作品《寸笔千钧——贾延良设计艺术展》，正是在“新中国设计的诞生（1945–1949）”项目中担任策展助理时所发现并选择的研究对象。设计师个展的研究与策划，需要建立在大量调研与材料积累之上，同时也考验系统梳理与整合的能力，这些方面，她都较好地完成了。她的毕业创作可以说是在不断“攻坚”与“打磨”中逐步形成的：一方面，贾延良先生“一专多能”，活跃于工业设计、室内设计、书籍装帧等多个领域，相关设计稿、出版物与文献资料体量庞大，均需她亲自查找、研读与分析；另一方面，在学术提炼与视觉表达层面，主题与板块结构经历了多轮推敲以求精准，展览海报、空间设计等也反复调整，使视觉系统的专属性不断提升。最终呈现的这一虚拟展览，充分体现出她将历史研究转化为策展叙事的能力，使我们得以在更为开阔的历史视野中，重新认识这位新中国自主培养的设计师及其艺术精神与创作成就。

——纪玉洁

新展场

New Exhibition Field

作者姓名丨张良铭

指导教师丨纪玉洁、张子康、方振宁（外聘专家）、王乃一（外聘专家）

专业方向丨设计批评与策展研究

展品作为意义的承载形式，长期处于社会传播结构的边缘。《新展场》以设计策展为方法路径，立足当代对话式媒介环境，通过系统性策略重构展览的生成逻辑，使观众对展品的既有认知由单向接受转向由认知机制驱动的意义生产，进而建构出具有象征性的叙事现场。作品以日常生活中的移动终端为媒介，引入对话式智能系统，将实时内容持续整合进可演化的算法结构。系统依托数据库与网络检索生成议题，并借由对话机制组织为动态展开的叙事单元，使展览由静态陈列转化为持续生成的语言过程。在这一机制中，时间被纳入叙事生成内部，不再只是线性流逝的外在背景，而成为推动意义更新的结构变量。空间中的扬声器矩阵则将话语分布于不同高度与方位，通过多声部的并置、交织与回响，形成差异化的叙事位置，并呈现多重身份的共时共存。结构层面上，作品通过三重摹仿的叙事路径，将现实经验转译为可调用的信息形态，并在对话生成中持续重组为叙事过程，最终于观众的感知与参与中再次被激活和内化。由此，展览现场呈现出信息结构、观看机制与意义生产之间的耦合关系，并进一步指向展览作为叙事系统的象征性建构。

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导师评语

良铭同学善于思辨，具备从事学术研究的良好素养，其作品《新展场》延续了他长期以来对策展与传播关系的持续思考。研究生阶段参与了多种类型的策展实践，使他能够从切身体验出发进入问题，同时凭借一定的理论敏感度与把控力，将相关问题梳理得较为清晰。这一作品实际上来源于其毕业论文《美术馆展览设计中的象征性叙事研究》。他从AI时代人的认知方式切入，提出以双向、动态的对话与共生关系来重新理解展览。在具体表达上，他引入“喇叭”这一具有强烈指向性的物件，将其与传播、权力与公共性相联系，同时通过画框镜面的多重折射，呈现出图像生成的多种可能性，从而形成一种关于观看与传播机制的复合性表达。对于研究生阶段而言，他所体现出的实验精神与方法尝试尤为可贵。

——纪玉洁

“机械化”策展

Automated Curating

作者姓名丨王思冬

指导教师丨纪玉洁、张子康、方振宁（外聘专家）、王乃一（外聘专家）

专业方向丨设计批评与策展研究

《“机械化”策展》是一件围绕自动化策展与人工智能文化生产展开的装置作品。作品由机械臂、针式打印机、影像终端、镜面画框、代码界面和艺术品运输木箱等元素构成，模拟出一个持续运行的“策展机器”。

在作品中，程序随机生成展览标题与文本，打印机将其不断输出，机械臂与镜面画框则把观众纳入观看与被观看的结构之中。艺术品运输木箱被转化为展台，使展览背后的物流、管理和制度流程显露出来。作品标题中的“机械化”既指工业意义上的机械执行，也隐喻当代由算法和人工智能推动的自动化策展机制。

作品试图讨论的问题并不只是机器能否完成策展，而是当策展中的命名、分类、文本生成和展示逻辑逐渐被技术系统接管时，策展人的判断、立场与责任将如何被重新理解。《“机械化”策展》将策展从幕后推向前台，使展览本身成为被观看、被运行和被质疑的对象。

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导师评语

思冬同学踏实专注、善于钻研，这种品质也体现在他对《“机械化”策展》这一作品的持续推进之中。在AI技术加速发展、不断迭代的当下，他将问题意识落实到策展实践层面，围绕如何在策展流程中有效引入AI技术，以优化工作机制、提升整体效率展开探索。整体来看，这一尝试具有较强的现实针对性，也体现出他将技术转化为方法的主动意识。无论未来能否真正实现“机械化”策展，这一探索本身已具有其应有的价值与意义。

——纪玉洁

绣焰生生

Embroidery Burns Eternal

作者姓名丨郑璐瑶

指导教师丨纪玉洁、张子康、方振宁（外聘专家）、王乃一（外聘专家）

专业方向丨设计批评与策展研究

基于对汶川羌族萝卜寨的田野调查，本设计回应乡村振兴背景下羌绣文化传承面临的语境疏离与主体弱化的问题。作品将“在地生长”理念引入策展实践，强调文化实践须从地域的本土记忆与日常生活中自然生发。从以羌绣为符号核心，通过柔性织物与篝火意象的交织，构建关于共生与再生的空间叙事。创作采用协作式共创的机制，邀请羌族妇女参与纹样提取与设计，推动传统符号向当代视觉语言的转译。展览依托村寨原有广场与生活动线，以光影与刺绣营造兼具日常性的活化场域，并通过策展行为介入在地社会结构，探索乡村文化记忆再生产的可持续路径。

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导师评语

璐瑶同学来自成都，由此将研究目光聚焦于西南地区，选择汶川萝卜羌寨的非遗羌绣作为研究对象。这一选题与其自身经验形成内在关联，使研究能够深入具体的文化语境之中。其毕业作品《绣焰生生》尝试以策展思维介入实际问题，并结合中国传统“生生”观念，将在地资源转化为具有生成力的实践路径来回应非遗活化与当代表达之间的关系。在研究推进过程中，她多次进入羌寨开展调研与实践，在持续的现场经验中逐步深化理解，形成了对地方文化语境的切身把握。

她的实践为我们提示了一种可能：当策展真正深入具体现场，并与在地经验形成互动时，其所生成的不仅是展示形式，更是一种具有生长性的文化行动方式。与此同时，她在整个创作过程中所展现出的踏实投入、持续推进的耐心以及与人沟通的真诚态度，体现出一名策展人所应具备的重要品质。

——纪玉洁

石记：新龙口乡村叙事——“人·像·记”

The Memory of Stones :

New Rural Narratives of Longkou -

"People · Portraits · Records"

作者姓名丨李雪莹

指导教师丨韩涛、张子康、方振宁（外聘专家）、王乃一（外聘专家）

专业方向丨设计批评与策展研究

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本人以“集体肖像”为切入点，对山东龙口黑夼村这一典型且鲜为关注后工业乡村展开策展研究。结合拉图尔的理论基础，通过为期八个月的田野调查与参与式策展实践，总结出“行动者网络三重介入法”，为“后发”的乡村策展提供可复制的策展方法论样本。

我的策展设计主要分三部分：“集体的重归”“集体的重塑”“集体的重构”。分别对应我在策展过程中的三个身份转变：首先是“田野调研者”——通过“身份转译—集体预热—时空适配”的介入路径，走访黑夼，重拾这里的集体记忆。然后是“艺术创作者”——创作矿坑岩壁水墨集体肖像作为“在地性档案”，以工业痕迹切割面部完整性，强制生成集体性观看。最后是“展览策划者”——设计可变的“盒子”展厅完成双地点叙事，将集体肖像从矿坑“抽离”至美术馆。锈迹呼应矿坑的工业遗存，氧化的过程体现“时间的书写”。“盒子”四面门扇的多种开合模式建构了多种观看路径，消解了“白立方”展厅的等级秩序。双展场共同构成了“语境化—去语境化—再语境化”的空间辩证法。环保墨汁的“雨打渐淡”特性、锈蚀钢板的氧化过程，均以物质性参与叙事，成为记忆脆弱性与工业时间的“共同叙述者”。村民也从“不值得被记录的普通人”到“值得被看见的文化主体”，完成了身份的重构。

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导师评语

李雪莹的创作没有把乡村简化为被展示的对象，而是将黑夼村重新打开为一个可以共同发声、共同显影的集体场域。其创新点有三：一是以速写、孕身经验与茶话会重建信任，使策展人从外来调研者转化为被接纳的在场者；二是以矿坑岩壁、水墨渐逝与平等尺幅重塑集体肖像，把工业伤痕转译为记忆容器；三是以锈蚀盒子完成美术馆再语境化，使村民从被观看者成为共同表征者。作品有方法、有伦理，也有迟来的光。

——韩涛

图解中的基础

Diagram as Foundation

作者姓名丨曹雨晴

指导教师丨强勇、孙聪、傅爱臣

专业方向丨艺术设计基础教育

思维是有形状的。

设计基础教育的本质，并非是对客观物象的摹写，而是一场关于认知重构的深层实验。图解在此语境下，超越了单纯的视觉表现，演化为一种连接直觉与逻辑的“思维脚手架”。

图解，是这个过程最诚实的记录。它不是最终的答案，而是从混乱到清晰的“过程状态”一种将内在思考外化为可见结构的方式。对于设计学习者而言，这个中间的状态往往是最难被教授，也最容易被忽视的部分。

在工具日益强大的今天，如何认知问题的结构，如何在复杂信息中找到清晰的切入点，正在成为设计师更为核心的能力。由此，可以得出设计基础教育可以通过图解思维形成一套关于结构，规则，媒介与生成的认知系统。

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导师评语

艺术设计基础教育长期面对一个根本性命题：如何让“思考的过程”本身被看见、被讨论与被理解。在曹雨晴同学看来：“图解”是应对这一命题最朴素的方式——它非结果的呈现，而是认知发生的痕迹，是连接直觉与逻辑之间最诚实的中间状态。这状态像始终流动着的一汪活水，但这流动也是有规律可守、有方向可循的。她通过“图解逻辑”将复杂的认知路径拆解为可感知的结构，最终“过程的状态”、"思维的形状"被转化为“嵌入”展墙的图解样本与十本书籍所共同构成的从抽象思考到可见现场的转译。这“嵌入”既表达出她的专业自信与研究成果，也意味着在未来能不间断地重新“提取”做必不可少的铺垫，就像种子被“嵌入”土壤之中，是为它能在地里生成根系，在阳光下保持从萌芽到长成的生命过程。平时的辅导更像是师生在讨论的某阶段的某个节点上，彼此达成了共识，不同的节点又不断地连接成线，像是现代版的“结绳记事”，研究的趣味或许也正是在这里。最终，她以一贯认真的态度、严谨的推演做出了真诚而有效率的回应！

——强勇

一颗植物杯

The Plant Cup

作者姓名丨姜宛妤

指导教师丨强勇、孙聪、傅爱臣

专业方向丨艺术设计基础教育研究

《一颗植物杯》以植物哲学中的植物生命本体论与植物的“能动性”为理论基础，进行一系列概念转译、情境模拟、户外实践等生态艺术教育的教学实践。

全系列作品以集体创作的形式完成从生态观察，材料实验到艺术落地的实践闭环，通过影像记录，作品产出，展现学生在真实生态环境中的介入，旨在培养学生作为环境参与者的积极性与责任意识，将生态认知拓展至更广阔的社会维度。

教学活动的最终产出，是根据社会议题而做的十二个未来植物的形态设计。植物的形态会根据环境的变化而做出适应性的调整，由于人类活动日渐多样，植物的生长会因此产生怎样的变化？这值得我们思考...

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导师评语

我们往往置身于自然之外面对自然，其实我们恰恰身处其中。姜宛妤同学从对植物与自然的亲近，对人与生态关系的视阈，构建了以植物为媒介的生态艺术教育教学模型。将植物作为教学过程中的关键变量，并引入教学理念、教学关系、教学内容和教学实践这四个在模型中的模块中，从而使学习体验从结果导向转变为过程导向。通过聚焦植物生命系统的主体性、能动性和时间性，唤醒学生对生态秩序、跨物种合作的友善意识。将艺术教育与实践定位为多物种共存的参与形式，对生态文化转型的作用拓展了边界。十二个植物形态是她对土地、气候、城市、人类活动等对话之后思考的“意向”之物，也是将原本在文本里的命题转化为可触摸、可记录、可被环境回应的创作行动。她以概念转译、情境模拟、户外实践等一系列置身其中的行为，不仅表达了她从生物、生态、生命关系的角度，阐释对艺术设计基础教育的理解与认识，也表明了她对自然的敬畏与尊重生命的态度，而这一点是最为宝贵的！她是工作室里最爱笑的学生，希望今后她的笑声能继续萦绕在自己和同伴中间。植物也好，生态艺术教育也罢，应该也会接纳爽朗、率真且亲和的笑声！

——强勇

身体与世界的对话

The Dialogue Between the

Body and the World

作者姓名丨熊李柱

指导教师丨强勇、孙聪、傅爱臣

专业方向丨艺术设计基础教育研究

当下设计基础课程的教具更多是沿用造型学科的教具，在人工智能迭代速度如此之快的时代，现在的教具还能满足未来教学的需求吗？带着这个问题开始探索未来教具长什么样、具有什么样的教学辅助功能、能获得什么样的学习体验等。以中央美术学院设计学院的造型基础——意象表达课程为例，选取其中具有代表性的教具发动机和植物作为研究对象。在一个方形空间中进行模拟实验，以现实与虚拟的方式结合课程的教学目标、教学内容和人才培养方式来模拟教具与人、与教学空间的关系，并建立起教具的多模态教学环境。

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导师评语

熊李柱同学平时寡言，辅导时话也不多；布展时，也是默默无声，只是一个劲儿地在“吭哧”自己的作品，跑了几趟看展陈进度，感觉他毕业作品的布置的过程，像是在暗房里冲印照片，逐渐地显现出影像。我了解他试图将他的教具设计构想与学习者，同时更像是置身于其营造的教学空间里的感受者之间，搭建起一座以个人身体参与，并激发多感官体验的桥梁，将艺术设计基础教学所应承载的切身感受为桥墩，我想他的想法得到了初步的尝试与体现。局限于展示空间的面积，他的设想只能以四个等比缩小的，内置立体模型、灯光配置、动态视频及结合AI科技的正方体装置呈现出来。他所要实现的情境式教学源自于他曾经历的本科基础课程，在这真实的体验下做的进一步思考。答辩时，他娓娓道来，话也不算少，在临毕业前又进一步了解了他：的确，寡言的人不乏诗意！

——强勇

面向社会参与的体验式设计教学平台

Experiential Design Education

Platform for Social Engagement

作者姓名丨孙明健

指导教师丨强勇、孙聪、傅爱臣

专业方向丨艺术设计基础教育研究

这个作品基于体验式的设计教学，关注的是设计基础教学如何与真实社会情境发生联系。传统基础课程更多围绕形式训练和作品结果展开。我希望通过平台，把社会议题、课程组织和学生项目连接起来，借助体验式的学习理论，让学生在真实问题中完成观察、表达、行动和反思。平台围绕三类用户展开：教师、学生和社会参与者。教师可以发布课程、制定教学流程、管理项目；学生可以申请加入课程、生成项目、记录过程；社会参与者可以提出议题、参与反馈或协作。平台内容则由议题、课程和项目三个层级构成：议题是问题入口，课程是教学结构，项目是学生行动的载体。在功能上，这个平台主要包括四个部分。第一是社会议题系统，用于接入真实问题。第二是课程管理系统，支持教师发布课程、设置教学流程、组织成员和推进课程状态。第三是项目生成与协作系统，帮助学生从议题出发生成项目，并在观察、行动、反馈和修正中持续推进。第四是教学档案系统，用于沉淀课程过程、项目成果和评价记录，让整个教学过程可追踪、回看、归档。我希望通过这个作品说明，设计教学不只是完成一个结果，也是学生进入现实情境、形成判断并持续修正的过程。

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导师评语

在辅导孙明健同学本科毕业设计时，就发觉他对人群、社会共享类的课题较为关注。参与、体验是他一贯坚持的设计信条。这种信条不自觉地延续到了硕士阶段。这在有意无意中，却将设计的目的不自觉地蕴藏其中，不管他是否意识到此点，即使意识到了，想要从实施至实现也非易事。期间，我能感受到他面临庞大计划时的心理挑战，因为他常常是“蓬头垢发”地来到我面前。这和他最终以化繁为简、朴素的展陈效果形成了强烈反差，我猜想这是与他在经历煎熬之后所产生的有分寸感的内心豁达有关。但是，布置在展台上可操作的电脑里，缜密的系统却不简单。他以体验式教学为线索，系统纳入社会议题、课程组织、学生项目和过程记录，以此回应基础阶段设计学习如何从单一的形式训练转向对问题意识、行动经验与反思能力的培养。是对以往曾经历过的基础课程的训练方式、学习经验进行了一次大“反刍”。在此基础上，又将课程的发生条件与参与主体、社会语境、真实情景、系统构建之间的关系进行了再沉淀、再组织。希望他今后继续强化这种专业禀赋，不断完善此系统，不断地从“反刍”中，去粗取精，获取营养，获得新启示！

——强勇

残缺重构

Fragmentary Reconstruction

作者姓名丨张莹

指导教师丨海军、孙聪、娄永琪（外聘专家）

专业方向丨设计管理研究

作品以汉画像石残片为对象，探索AI介入传统文化设计的路径。研究建立四类残缺类型学，以残缺面积比例与线刻可见度为双轴完成结构化标注。生成环节以AI为工具，通过专项训练的残片视觉质感模型保留石面物理特征，以反向排除抑制AI的修复倾向，实现残缺质感与当代可读性的共存。人机分工上，文化判断由设计师主导，视觉融合执行交由AI，两者在匹配决策与生成筛选环节形成协同。

最终完成"残缺重构"系列图像装置六十件，以3D打印实体和屏幕方式呈现：实体保留残片原始状态，表面覆哑光漆做旧；屏幕播放AI生成的错位并置图像，残缺区域作为生成边界，当代场景仅在缺失区域内生长。五件核心影像分别为：持简之人、车马出行、奉酒食、舞乐百戏。

作品探讨当AI接管视觉执行后，素材分类的判断、场景匹配的决策、错位效果的取舍、现场调试的直觉，这些无法被自动化的环节，构成设计师不可替代的核心职能。残缺不是有待修复的信息缺损，而是携带时间深度的物质现实，是面向未来的视觉存档。

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导师评语

以残缺为生成边界，通过AI技术让当代场景在汉画像石残片缺失区域进行图像耦合，既是今天的数字技术对2000年前的物质痕迹的再创，也是面向未来的一种再存档。张莹同学创造性地讨论了技术、文化、图像、创新的关系，通过毕设创作形成对中华传统优秀文化创造性转化、创新性发展的有效讨论和重要示范。

——海军

中央美术学院设计学院

中央美术学院设计学一级学科作为国家“双一流”建设获批学科，已经建成涵盖视觉传达设计、数字媒体艺术、产品设计、服装与服饰设计、艺术与科技、工业设计、艺术设计学等目录内专业，以及自主创设的出行创新（交通工具）设计、社会设计、设计管理、创新设计、系统设计、危机与生态设计、艺术治疗、服务设计及设计策展与空间叙事等特色方向。同时，在保持现有学科口径范围优势下，设计学科以对中国社会未来形态和经济模式整体研判为基础，以积极应对全球科技、经济和社会变革为契机，以培养具有中国文化立场和全球意识的顶尖人才为目标，以服务于国家重大战略举措为根本，全面深化改革和创新驱动发展。面对新时代的形势变局、产业变革、危机与挑战，深刻研读新文科建设内核，设计学院以中国高等教育发展新需求、新变化、新阶段、新特征为依据，将设计学科与现代信息技术等其他专业集群相融合，于新工科、新医科、新农科提出的新命题、新方法、新技术、新手段中，创造新方向、新标准及新价值判断，并研判全球政治、经济变化，以人类既有的社会组织结构、生产与消费方式为课题研究切入点，以学科专业划分为工具与方法，构建危机意识主导的全新学科教育架构与学科资源整合平台，全面聚焦应对人类未来生存模式的思考与行动。

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